Este tema continuó y se intensificó dramáticamente hacia el final de su vida a medida que su propia salud se deterioraba. Las representaciones gráficas de sí misma experimentando tormentos son una visión clara de sus propias luchas contra la adversidad física y el dolor.
La columna rota, pintada en 1944, es una obra que Kahlo realizó poco tiempo después de someterse a una cirugía de columna. Este fue solo uno de los muchos procedimientos médicos que soportó durante su vida para corregir problemas que fueron el resultado de su accidente anterior. En el momento de pintar, se le pidió a Kahlo que usara un corsé de acero en lugar de los moldes de yeso que había usado anteriormente.
En la pintura, Kahlo se enfrenta a un paisaje sombrío y fracturado que parece haber sufrido tanta agitación y trauma como el artista. Tiene una fisura profunda e irregular a lo largo de su torso casi desnudo que permite al espectador ver su columna vertebral como una columna de piedra jónica agrietada y rota.
Su columna vertebral parece estar a punto de colapsar, particularmente en la base. Uñas de varios tamaños perforan todo su cuerpo y rostro, lo que aumenta su sufrimiento. Las lágrimas corren libres y copiosas por sus mejillas.
Kahlo originalmente se pintó desnuda aparte del corsé de soporte médico con bandas que usa, pero luego agregó una sábana blanca de aspecto quirúrgico para cubrir su mitad inferior. Sus pechos están expuestos y, a pesar de que su cuerpo está mutilado, su sensualidad sigue siendo evidente.
También hay fuertes ecos del martirio icónico cristiano en la representación de clavos y sábanas. A pesar de la agonía que está experimentando, hay una mirada de fuerza y desafío en el rostro de Kahlo. A pesar de que su cuerpo está herido y torturado, es evidente que su espíritu sigue intacto.
Los elementos simbólicos de esta pintura intentan retratar a la artista completamente sola, acompañada únicamente por el dolor y el tormento de sus heridas. Otros autorretratos la han mostrado protegida por la naturaleza o la amistad, pero el fondo es yermo y se encuentra sola, con una expresión sombría. Se cree que este período de su vida se vio afectado por los asuntos de su esposo, el también artista Diego Rivera.
Este personaje más grande que la vida parecía incapaz de permanecer leal a Frida, a pesar de su claro y profundo amor mutuo. Este daño emocional se sumó a sus problemas físicos existentes que resultaron de problemas significativos en su infancia, así como una lesión grave alrededor de 1925, mientras viajaba en un autobús.
Se cree que los clavos encontrados en esta escena hacen referencia a Frida siendo dañada emocionalmente por su esposo. "Estar clavado" en español mexicano se refiere a esto, traduciéndose esencialmente como ser clavado o engañado.
También encontramos lágrimas saliendo de sus ojos, lo que nuevamente apunta a este dolor mental además de las luchas físicas obvias que habían perseguido a la artista a lo largo de su vida. ¿Podría Kahlo haber producido un arte tan extraordinario y expresivo sin los problemas que había experimentado durante su vida? Talvez no. Arte como este está inspirado en incidentes serios que generan emociones, y solo tener la habilidad técnica no sería suficiente para producir una serie de pinturas como esta.
La columna rota es uno de los autorretratos más memorables de este artista, alguien que hizo uso de este género más que cualquier otro artista famoso que podamos recordar, aparte quizás de Rembrandt, que lo usó para mantener sus finanzas a flote. Mirando más allá de esta pintura, también puede estudiar otros aspectos destacados como Dos Fridas , Mi nacimiento y Frieda y Diego Rivera.
Cada una de estas composiciones individuales nos ayuda a construir una imagen más sólida sobre la personalidad de Frida Kahlo y sus opiniones sobre su vida. Su obra es como un diario de su vida, expresando angustia, emoción ya veces esperanza por el futuro.
Un último elemento simbólico de esta composición es el taparrabos que sostiene Frida para cubrir, tal vez proteger, sus regiones inferiores. Es como si nos estuviera diciendo que esto es todo lo que le queda para dar, después de la agitación por la que ha pasado. Ella le ofrece al espectador la oportunidad de decidir su destino, si lo desea. Es una posición verdaderamente vulnerable en la que estar, y no puede evitar encantar al espectador y hacerlo sentir una gran simpatía y amor por esta mujer increíble que ha sido particularmente dura.
Muchos de sus problemas fueron puramente el resultado de la mala suerte, pero el dolor sufrido por la infidelidad de su marido podría haberse evitado y también resume las dificultades que enfrentaron muchas mujeres en los últimos siglos. Tales eran los tiempos, este escándalo hizo poco para arruinar la reputación de su marido,
La columna rota es considerada por muchos como la pintura más importante de Frida Kahlo. Es difícil imaginar una escena que capture mejor su agitación interna y externa, y al mismo tiempo proporcione las razones de ello. A su vez, esta se ha convertido en una de las obras de arte más investigadas y analizadas de su carrera y sigue siendo uno de los aspectos más destacados de la impresionante colección del Museo Dolores Olmedo Patiño en la Ciudad de México.
La pintura original tiene un tamaño de 40 cm de alto por 30,7 cm de ancho y es un óleo sobre lienzo montado en Masonite. En un momento en que los derechos y las oportunidades de las mujeres son particularmente relevantes, la vida de un ícono como Frida Kahlo será objeto de un escrutinio aún más profundo. De hecho, encontrará su rostro apareciendo en vallas publicitarias y en los medios escritos ahora más que nunca: es como si su legado apenas comenzara a dejar su influencia.
