Dos Fridas es un retrato de amor, desamor y dualidad. Este autorretrato doble fue pintado por Frida Kahlo en 1939 en forma de óleo sobre lienzo, poco después de que su esposo Diego Rivera le pidiera el divorcio.
La original Dos Fridas era casi de tamaño natural y era la pintura más grande de Kahlo. La mayor parte del trabajo de Kahlo fue mucho menor, ya que a menudo estaba confinada en su cama debido a problemas de salud. También logró la tarifa más alta por un cuadro durante su vida, ya que fue comprado por cuatro mil pesos por la Nacional de Bellas Artes en la Ciudad de México en 1947.
Pagaron treinta y seis pesos adicionales por el marco.
Aunque Kahlo pintó una serie de autorretratos después de su divorcio e ilustró sus sentimientos a través de ellos, esta pieza es particularmente llamativa y revela dos lados de sí misma y de su identidad.
Aunque mucha simbología aparece dentro de sus pinturas. Kahlo tendía a rechazar la etiqueta de "surrealista" ya que afirmaba que pintaba su propia realidad. Esta imagen muestra a las dos Fridas, sentadas en un banco cogidas de la mano. Nubes oscuras y tormentosas dominan el fondo de la pintura y establecen el estado de ánimo y el tono. Se sabe que el matrimonio de Kahlo con Rivera, quien también era artista, fue tormentoso y lleno de infidelidades.
La Frida de la derecha lleva un vestido de novia de estilo europeo, mientras que la Frida de la izquierda lleva una falda y una blusa tradicionales y coloridas de Tehuana. Frida misma era de ascendencia mixta.
Su padre era alemán, posiblemente judío, y su madre era mexicana con antecedentes españoles e indios. Dados los acontecimientos que se avecinan en Europa, también es una exploración interesante de su identidad dual en ese momento. El corpiño blanco de la Frida europea se abre dejando al descubierto su corazón roto. En su mano sostiene un instrumento quirúrgico que ha cortado la vena e intenta cerrar la sangre que se derrama por su vestido, casi mezclándose con el diseño de su dobladillo.
Esta Frida representa el lado de ella que ha sido traicionado, rechazado y no amado por Diego Rivera. A medida que el ojo del espectador sigue la vena a lo largo de la imagen, une a las dos Fridas y fluye hacia un pequeño retrato sostenido en la mano tradicional de Frida. Este diminuto retrato ovalado es una imagen de Diego cuando era niño.
Después de la muerte de Kahlo, se descubrió el retrato original y ahora se exhibe en el Museo Frida Kahlo en México. Aunque el corazón de la Frida tradicional también está expuesto y vulnerable, esta Frida representa a la Frida que amaba Diego y que todavía amaba a Diego. El trabajo de Kahlo a menudo usaba anatomía humana e imágenes gráficas.
El retrato familiar que completó en 1936 usa sangre para representar los lazos familiares. Aunque el corazón representa claramente el dolor que sintió Kahlo, el corazón sangrante en la cultura azteca a menudo simbolizaba el sacrificio. Además de retratar su identidad dual, la elección de la ropa es interesante ya que Diego alentó a Kahlo a usar ropa indígena más tradicional, pero antes de casarse ella usaba ropa más occidental.
Un retrato de ella en Velvet Dress (1926) la ilustra vistiendo ropa europea. A pesar de la tristeza y soledad que sintió y retrata, las Dos Fridas aún se muestran como mujeres fuertes. Inicialmente, Kahlo dijo que esta pintura estaba inspirada en un recuerdo de la infancia, luego dijo que retrataba la soledad y la desesperación que sentía.
Según uno de sus amigos, puede haberse inspirado al ver Two Sisters de Chasseriau mientras estaba en París para su exposición. Cualquiera que sea la inspiración, es una pintura notable de un artista notable. Frida Kahlo pintó Las dos Fridas en 1939, el año de su divorcio de Diego Rivera tras diez años de matrimonio. Kahlo a menudo se convirtió en el tema de su arte, pero esta es una pintura muy inusual: no solo un autorretrato, sino un autorretrato doble, que muestra su yo dividido.
La pintura está llena de contradicciones, que también sugieren sentimientos encontrados e incluso confusión. Si bien es uno de los aspectos más destacados de la carrera de Frida Kahlo, es posible que también desee ver otras obras clave como La columna rota, Mi nacimiento y Frieda y Diego Rivera.
Por ejemplo, ¿la pintura está adentro o afuera? La pose, la línea regular del piso y el banco de paja trenzada sugieren un interior, pero detrás de las figuras hay un cielo tormentoso, lo que sugiere claramente estrés emocional.
La pose es muy formal, como una fotografía de estudio, pero los corazones expuestos de las dos Fridas y el hecho de que ambas son la misma mujer, aunque tomadas de la mano como hermanas gemelas, introducen una nota surrealista en la imagen. Una Frida viste un traje tradicional mexicano; el otro viste un atuendo más moderno, de estilo europeo.
Eso refleja su condición de artista que trabaja entre la tradición artística europea y la cultura tradicional mexicana. Mientras que Frida a la derecha sostiene un pequeño medallón, un accesorio tradicional para un retrato, la otra Frida está tratando de sujetar su arteria expuesta antes de que pueda salpicar más sangre en su falda.
Una vez más, dos mundos chocan: el retrato artístico con sus convenciones amaneradas y su simbolismo crudo y sangriento que podría reflejar la familiaridad de Kahlo con el dolor corporal y el desorden de la cirugía, o el sacrificio humano azteca (que implicaba el corte del corazón de la víctima que aún latía).
Las dos Fridas no sólo están unidas por sus manos y por la simetría formal del cuadro. Un gran lazo de arteria conecta los corazones de las dos mujeres. Están divididos de muchas maneras, pero también son idénticos, conectados por su sangre. Esta es una pintura que transmite una emoción profunda y, sin embargo, los rostros de las dos Fridas parecen casi vacíos, otra de las contradicciones que la convierte en una obra de arte tan fascinante. Fue la primera pieza verdaderamente a gran escala de Frida Kahlo y sigue siendo una de sus imágenes más intrigantes y célebres.
